О некоторых приёмах работы и кратковременных упражнениях в акварельной живописи

О некоторых приёмах работы

и кратковременных упражнениях

в акварельной живописи

 

Если внимательно посмотреть на работы современных художников, демонстрируемых на выставках или на сайтах, то можно обратить внимание, что большая их часть сделана в одно касание по сухой бумаге, когда случайные потёки краски создают красивую фактуру, то есть алла прима, или с применением приёма работы по влажной бумаге, когда контуры растекаются, становятся мягкими в очертаниях, есть много работ, которые выполнены в два-три подхода к листу, но именно так, как описано выше. И из-за этого преобладания может создаться впечатление, что листы, сделанные именно так и являются показателем так называемой «акварельности». Но точно так же можно работать и гуашью, и акриловыми красками, и темперой и даже красками масляными. Над акварельным листом можно работать так же долго и кропотливо, как и над масляной картиной, и не ухудшить при этом работу, а последовательно её совершенствовать. Есть картины маслом, создающиеся минут за сорок или ещё быстрее… Приёмов работы любыми красками, в том числе и акварелью много, и в работе творческой их можно сочетать в любой необходимой последовательности. А для этого следует знать, с помощью какого приёма какой можно получить результат.

В самом начале учёбы или чуть позже ученику вручают в руки бумагу, кисть и акварельные краски. Акварельная техника очень сложна, но часто именно с неё начинается обучение. Видимо, этот выбор в первую очередь происходит по гигиеническим соображениям и из-за того, что набор принадлежности для работы акварелью занимает по сравнению с другими красками меньше всего места и мало весит. Хорошо, когда педагог рассказывают заинтересованному ученику о том, что такое цветовые отношения, и какие бывают приёмы работы красками, как получить те или иные оттенки посредством смешения красок, в каких случаях какие краски лучше смешивать, чтобы не получались обесцвеченные смеси… Чаще ученик обретает опыт в результате проб и ошибок, получая лишь отдельные указания, что куда можно подвинуть, что сделать потемнее и посветлее, покраснее или позеленее… Мы, то есть я сам и ученики той группы, в которой я занимался, писали акварелью в художественной школе, писали акварелью в художественном училище, и только на первом курсе института нам кое-что основательно и более или менее подробно объяснили, то есть один из приёмов работы, использующийся в академической живописи, и как можно технически грамотно пользоваться акварельными красками. Но другие приёмы работы пришлось изучать и осваивать самостоятельно. Когда я сам начинал осваивать технику акварели, то мне пришлось выслушивать гораздо меньше ценных для меня советов, чем не было нужно, чем мне хотелось бы. Некоторые очень ценные советы даются ученику гораздо раньше того времени, когда он ими может осознанно воспользоваться, а потому они не приносят подобающую пользу.

Следует иметь в виду, что, как и во многих других техниках, в акварели есть три условно разделяемых подхода: академический, декоративный и авторский. Приёмов работы акварельными красками много, много таких приёмов, которые нацелены на создание тех или иных эффектов, фактур, предназначены ускорения процесса выполнения этюда, для производства авторских художественной продукции: пейзажей или натюрмортов… Есть подходы, основанные на творческой импровизации, приёмы, используемые в психотерапии… Это всё интересно и занимательно, но есть те упражнения, которые могут помочь организовать живописный процесс, которые при наличии общего ориентира на систематичность занятий могут помочь понять, что получается лучше почти само собой, а что следует осваивать целенаправленно, есть те упражнения, которые нужны для последовательного академического ведения работы, что очень важно для овладения реалистической манерой в живописи. Я помню цветные таблицы, выпускавшиеся массовыми тиражами в 1970-1980-е годы, на которых было показано, как следует писать простой натюрморт акварельными красками от более крупных и более прозрачных мазков кистью, от небольших заливок, к более насыщенным, более точным и тонким по рисунку красочным мазкам. Эти таблицы иллюстрировали классическое ведение работы акварелью «от общего к частному».

Академическая манера является основой в системе отечественного художественного образования, и это, по-моему, правильно. Основываясь на умении, полученном при академическом подходе в обучении, гораздо легче освоить декоративные приёмы, но не наоборот. Стилизации и декоративизм требуют своего особого осмысления ритма и возможностей материала. А осмысление это организация, это понимание системы. Есть приёмы ведения работы, основываясь на которых можно сделать и академический этюд, и декоративную композицию, и авторскую импровизацию. В популярных книгах, посвящённых освоению техники акварели, в специализированных статьях на интернет-сайтах, в том числе и энциклопедического характера, об это сказано либо совсем немного, либо вообще ничего не сказано. В книгах, посвящённых освоению техники акварели, переведённых с английского или к книгах отечественных авторов, составленных в подражание западным авторам много места уделяется подробному рассмотрению последовательности перерисовки различных сюжетов с цветных фотографий. Это не очень полезно при освоении техники акварели в рамках академической системы образования, и часто и для многих учеников даже вредно. А преувеличенное форсирование синих цветов и оттенков в изданиях подобного рода, написанных авторами из США, демонстрирует в первую очередь своеобразную моду на синие оттенки в современном дизайне (о чём рассуждают аналитики) нежели особую системность в цветовых отношениях.

Пользоваться вспомогательными материалами в работе акварельными красками, то есть мылом, клеем, лезвием, резерважем и т.д., на мой взгляд, можно либо на игровой стадии обучения или после овладения или после хотя бы знакомства с основными базовыми приёмами работы. Я пришёл со временем к выводу, что освоение базовых приёмов ведения работы для техники акварели ещё важнее, чем для масляной живописи, к примеру. Хотя своя дисциплина в работе с материалом нужна всегда. Со временем, когда, уже окончив институт, я стал вести уроки живописи, в программе которых было много место уделено акварели, мне пришлось создать систему упражнений для освоения отдельных приёмов работы. Эти и многие другие авторские методические разработки, которые много лет успешно использовались в системе обучения в МОУ СПО Художественный колледж ДПИ г.Рязани, мне удалось опубликовать в книге «Беседы в мастерской графики», которая вышла очень небольшим тиражом в Рязани в 2012 году.

Один из базовых приёмов ведения работы акварелью является приём работы многослойными лессировками от больших заливок к малым. Работать в акварели так же как и в масляной живописи мазком можно, но многие моменты лучше прорабатывать, используя другие приёмы. Один из важных принципов, заложенных в систему упражнений, о которой речь идёт в книге, это чередование приёмов, требующих большей скрупулёзной усидчивости и большего динамизма в работе. Несколько упражнений включено в последовательность заданий, выполняемых в учебной аудитории, а часть упражнений вынесено в программу пленера. Некоторое количество заданий полезно выполнять педагогу вместе со студентами, чтобы им было легче понять, как можно выполнять данное упражнение. Этот способ обучения, основанный на демонстрации приёмов работы, а не на словесных объяснениях, практиковался давно, можно сказать со времени существования цеховых мастерских в эпоху средневековья, когда ещё не сформировался академический подход в обучении. Среди методик академических, конечно, главенствующее место занимает осмысление учащимися конструктивности формы, системности цветовых отношений, последовательность заданий «от простого к сложному».

Герман Алексеевич Мазурин, профессор МГХАИ им.В.И.Сурикова рассказывал, что во время своей учёбы в Пензенском художественном училище в их группе преподавал Михаил Васильевич Бунчин (который сам учился у Николая Филлиповича Петрова, ученика И.Е.Репина), который практически ничего не объяснял, но работал вместе со студентами и тем самым показывал им, как следует рисовать и писать, а это было в середине ХХ века. В Школе акварели Сергея Андриями эта метода введена в качестве основной в современные образовательные программы начала века XXI. Преснякова Людмила Дмитриевна, будучи директором в Художественной школе №1 г.Рязани (на базе которой был создана Школа Искусств, затем Лицей искусств, а потом МОУ СПО художественный колледж ДПИ), во время работы на пленере с учебными группами часто писала этюды вместе с учениками и советовала тем, у кого возникали затруднения в ходе работы, присаживаться рядом с ней и приглядываться к тому, что и как она сама делает, какие кисти берёт, какие краски смешивает. Иногда я сам работал вместе со студентами в аудитории, но во время пленера работал вместе с ними всегда, иногда ставя для себя свои собственные творческие задачи, иногда следуя той задаче, которую я ставил и перед учениками. Но если  писал и рисовал вместе со студентами, то всегда находил время, чтобы несколько раз во время выполнения этюда обойти всех учеников и дать рекомендации каждому по дальнейшему ведению работы. Но нужно ли давать слишком настойчивые советы тому ученику, у которого в результате импровизации получается неплохой этюд – это ещё большой вопрос.

В краткой статье затруднительно описать все упражнения, выполнявшиеся студентами в тех группах, с которыми я вёл занятия на пленере. Но о некоторых можно рассказать. Удобнее пленер начинать с воспроизведения при выполнении пейзажа тех кратковременных упражнений по отработке нескольких приёмов работы акварелью, которые до этого выполнялись в аудитории. Сокращённость времени выполнения упражнений в условиях вне помещения особенно уместна, поскольку меняющиеся погодные условия почти постоянно изменяют характер освещённости. В таких условиях либо следует очень быстро вести работу, либо вне зависимости от состояния природы продолжать работать над теми цветовыми отношениями, которые были выбраны в качестве ориентира. Интересное на мой взгляд упражнение это после длительного окончания этюда выполнить рисунок пейзажного мотива сразу кистью, без разметки карандашом, причём следует ограничить время выполнения этого задания от 30 до 50 минут. (задание-1) Для этого упражнения можно брать лист бумаги не только белый, но с лёгкой тёплой или сероватой тонировкой. Решение такого этюда может бить и живописным и условно-графичным. Сначала рисунок делается самой тонкой кистью с колосом колонка и более прозрачными красками. Можно использовать в работе и небольшие заливки, и штриховку кистью. Во время этого же пленэра был мною сделан и этюд «Сочи. Морвокзал» (этюд-1), который я выполнил вместе со студентами в течение сорока минут. Конечно, надо иметь в виду, что, кроме работы над этюдом, я ещё некоторое время уделял тому, чтобы осматривать работы студентов и давать им некоторые советы. И можно сказать, что у большинства этот этюд удался. Хотя, возможно, его скорее следует назвать не этюдом, а рисунком кистью. Белая бумага в работах подобного плана не является признаком «недоделанности», незавершённости. Вместе с учащимися я писал и виды города Касимова (Рязанская область). Как и во многих других случаях, выполняя рисунок акварель, удобнее делать этюд, продвигаясь от более светлых цветовых сочетаний к более тёмным.

В некоторых случаях, когда время для работы ограничено естественным образом, скажем, во время экскурсии, этот метод ведения работы может быть единственным из возможных, как это было, к примеру, во время поездки нашей учебной группы в Бельгию. Практически все студенты этой группы, оказавшейся за рубежом в условиях очень плотного графика экскурсионных программ, не участвовали в пленэрах, проводимых мною годами ранее, и не смогли использовать очень небольшое свободное время во время этой поездки для этюдов, потому что именно в этой интересной поездке не было чётко отведённого времени для систематических занятий, хотя при желании его и можно было найти. Этюд «Лёвен. Vismart» (этюд-2) был сделан мной минут за тридцать, если не за двадцать. Больше времени в моём распоряжении просто не было. Над этюдом «Рязань. Больше времени у меня было для написания этюда «Лёвен. Dude markt» (этюд-3). «Старый дворик» (этюд-4), выполненном в той же манере, я рисовал, напротив, подольше, часа полтора и без студентов. Работа может начинаться именно таким образом – штрихами и линиями, выполняемыми акварелью без подготовительного рисунка, – и продолжаться сколь угодно долго. При продолжении работы могут использоваться самые разные приёмы, в том числе и приём работы заливками, и в один приём, без лессировок, алла прима.

Интересное и полезное задание для этюда это ограничение красочной палитры во имя того, чтобы добиться более сложных и колористически построенных цветовых отношений, а также для того, чтобы на практике понять условность любой системы цветовых отношений. Об ограничении цветовой палитры говорят многие художники. Одно из таких интересных упражнений основывается на изъятии из красочного набора всех синих и зелёных красок при написании летнего пейзажа (задание-2). При этом тускло-зелёные оттенки можно получать, смешивая чёрную и стронциановую жёлтую или лимонно-жёлтую, а холодноватые оттенки – на основе фиолетовой краски, которой следует пользоваться очень умеренно. Очень интересно и часто уместно можно использовать в акварельных этюдах вспомогательные материалы, к примеру, белила, иногда гуашевые, иногда акварельные, пастель, пастельные карандаши и т.д., но ещё интереснее ставить задачу минимизации используемых материалов.

Этюд «Надвратная церковь Кирилло-Белозерского монастыря» (этюд-5) написан, когда я был студентом МГХАИ им. В.И.Сурикова, и он выполнен с помощью системы заливок по предварительному рисунку графитным карандашом. Это старая надвратная церковь, находящаяся в настоящее время внутри территории большого монастырского комплекса, поскольку позднее территория монастыря была сильно расширена, и были построены другие крепостные стены. Кирилло-Белозерский монастырь – можно сказать, одно из важнейших мест в обширной северно-русской области, называемой в церковной традиции Северная Фиваида. И в данном этюде не было бы никакого технологического интереса, если бы не некоторая особенность в изображении неба. Дело в том, что в небе почти везде оставлена чистая бумага, даже без какой-либо первоначальной цветовой лессировки, что как будто бы и незаметно при его рассмотрении, как мне говорили зрители, хотя остальное поле листа нагружено многослойными, но сравнительно лёгкими лессировками. При изображении пейзажа с освещением в контражуре, тем более с наличием большого числа светлых деталей, ослепительное сияние освещённых и светлых мест можно показывать лессировками минимально насыщенными краской, или вообще не трогать чистый лист. Достаточно тонко выстроенные цветовые отношения позволяют использовать цвет самой акварельной бумаги, который ещё более может подчёркиваться более светлой и ещё более белой бумагой паспарту при оформлении. Таким образом, результат может достигаться минимумом средств. Обращает на себя внимание смещение оси верхнего барабана относительно нижнего в надвратной церкви, что является конструктивной особенностью этого архитектурного фрагмента. Работу «Дивная бухта» (этюд-6) я писал по этюдному материалу долго и в мастерской, уже после возвращения из поездки в Крым. В ней также активно работает белый цвет бумаги в небе и не использованы белила. В нынешнем 2013 году я писал вместе со студентами натюрморт в аудитории, в котором была применена подсветка лампой накаливания (этюд-7). При выполнении этой работы я использовал ту самую методику, которая по стадиям разбиралась в учебных таблицах советского времени и использовал белила для проработки соломы и колосков, с самого начала это запланировав.

Многие приёмы работы акварелью будет осваивать очень трудно, если не делать при этом тщательный отбор среди тех материалов, которые предлагаются для работы акварелисту. Об особенностях разных сортов бумаги и кистях, о качестве красок важно узнать заранее и определиться с выбором тех или иных материалов, предназначенных, как правило, для того или иного метода работы, до начала заранее. Это отдельная тема для разговора, об этом написаны целые книги.

2013г.

Пресняком М.А.,

Член Союза художников России,

Доцент кафедры профессиональных дисциплин

Рязанского филиала ВШНИ